这可能是一篇超长文章，也许您一次消化不完，不过这绝对是一篇值得反复阅读的文章，之前整理过一篇写实CG大师——林冉，那些消失的心得（整合版）还有一篇大师赵无极12条经典绘画笔记（整合版）加上今天这篇，在您遇到瓶颈期的时候翻阅一下，可能就会有所启发，往后我也会继续增添更多的此类内容，因为帮助大家的同时，我自己也需要经常翻出来阅读。今天这篇文章是大师林冉的语音讲座，我把他整理成文字，这应该是全网独一无二的文章了。文字的好处是你可以停下来思考，反复思考！听语音你也能有收获，但是相信我，你马上会忘记他说什么。
josenh zhukvic，澳大利亚水彩画大师“约瑟夫·祖布克维克”
——空间意识
对于写实绘画来说，为什么先要介绍水彩呢？相对于素描、水粉。水彩更能帮你建立“空间意识”，因为你画的一切都不是在你画布表面上发生的，而是在你画框里面发生的，画框里面的空间就是你表达的舞台，没有舞台和场地，那么什么戏也演不了，当然除了皮影戏。
我们学习和掌握一样事情，要掌握三个阶段——“what”，“why”，“how”
“what”，我们要学习一个对象，他的结构特征是什么？是什么让他有别于其他东西，而值得特别去对待？
“why”，我掌握它之后会有哪些改善，和提升，它对我有什么好处？
“how”我应该用什么最简单的方法去获得它？我们总是寻求最简单的方法，这是一种本能，如果没有捷径，人才会被迫的努力练习。
对于绘画这件事情，最重要的是你要分清，哪些可以是捷径？哪些需要去练习。千万要警惕一件事情，就是聪明反被聪明误！欲速而不达，该老老实实付出的时候一定不要偷懒，我今天讲的理论，从某种意义上就是把我自己的经验传达给你，这就节省了你自己探索的时间——这就是捷径。而要把理论落实到能力的层面，就需要你自己的努力。
看这篇我整理的文章也是一种捷径
刚才说空间意识是最最重要的，“约瑟夫·祖布克维克”是水彩领域对空间表达最突出的一个，并不是说所有水彩画都表达了空间意识。空间就是“约瑟夫”水彩的最大特点。
以下详细解说一下“约瑟夫”的水彩和以往的学院教学有什么不同。
媒介本身都有它自己的特性。比如铅笔善于捕捉物体的轮廓，转折，刻画质感，但是不善于铺大面积的调子和做渐变。水粉也是如此，它的优势是笔触和块面，用块面塑造形体会让物体看上去很扎实，但是水粉不擅长描绘流动的气氛和色彩的融合，更不擅长表现空间的推移和光的渐变。我们的美术高考都是基于铅笔和水粉的体系。这就让我们的表现体系有别于那些习惯用水彩的欧美画家。
我们是从什么时候开始这种美术教育体系的呢？在新中国成立不久的时候，需要大量的宣传画。而这个时候相同体系的苏联老大哥就是榜样
于是苏联这一套手法就引进来了，帮助我们培养一批能画自己宣传画的画家。当时的宣传画要画的很大，有的甚至要铺满建筑，所以可想而知它的创作难度！画家在绘制之前会有一些小稿，小稿的整体性只有在小的时候是显著的，真正落实在大幅的时候很难顾及到全局，只做到把人和相关信息画扎实就算完成任务了。谁还有那个脑子那个体力去考虑“他妈的”十几米的空间推移？也更难估计色彩整理的冷暖渐变。
所以他们只能把眼前的一亩三分地画扎实，这样说完你就能明白苏派的这种扎实的风格，没有灵动感觉的原因。就是因为他们灵动不起啊。实在是因为宣传画起伏太大了。列宾美院在培训绘画的时候，虽然是小幅的，但也还是为了最终那个目的去服务的，思维定式已经存在了。他们对形体的强调，盖过了对空间和色彩的讲究。这只是属于历史某一时期风格。我们可以崇拜它，但也要跳出来看待。经典并不意味它有不可改善的余地。它也早应该被改善。很遗憾我们现在的教育体系还是受苏派影响。即便进入美院不再接触水粉，但还是会或多或少的被影响。
水粉的塑造说白了是用色彩在画苏派的素描，多少再加一点印象派的色点并致，仅此而已，它注重结构而没有顾及固有色在空间中的渐变。
对比水粉与水彩体系，不否认水粉的表现力，但相对于“约瑟夫”的水彩，空间本身没有加它自己的色彩进去，致使所有的颜色都以其自己固有色原貌站在原地，而没有根据空间彼此发生推移，彼此发生冷暖的变化。色彩的冷暖，哪怕是固有色本身的冷暖，已经可以暗示空间，可以暗示非常非常真实的空间。更具体的色彩理论后边会讲到。再对比“约瑟夫”的水彩对于空间的表达，这个区别就很明显了。水彩更多的在意到了固有色本身的冷暖变化，之所以你之前没有建立这方面的变化，是因为它太细微了。轮廓和转折的暗示，在辐射状的变化下，都有了。剩下的笔墨不用在体积上。很多都用在塑造明亮的空间、光影、气氛、水彩有点像抒情诗，像散文。左边的水粉就有点像说明文。
微妙的冷暖差别才会体现真实感，如果太强烈的话反而缺乏真实感，变得卡通了。而只有这种微妙才符合我们日常观察真实生活的经验。这种视觉经验本身唤起了真实的感觉。所以一定要自己先敏感到这个地步，然后再还原这个敏感，——就能够还原真实。在轮廓与转折的地方，在细致的点和该刻画的地方刻画，这样就做到了整体放松而又严谨。所有关键所有实在的地方就在于“轮廓、转折、高光”。我们在整体“虚”的语境上去做一些“实”的暗示，画面其实是最好看的，而不是相反。
苏派先翻过去了，拿美国的画来看一看。从时间上来说，它离我们是最近的。在风格上也与苏派形成鲜明的对比。介绍几位美式风格当代比较有代表性的画家——“Richard Schmid”
“Richard Schmid”毕业于芝加哥艺术学院，他的导师威廉・摩斯拜（William H. Mosby ）是一位出色的欧洲和北美写实主义绘画的技法专家。威廉・摩斯拜曽経学习和研究了荷兰、比利时、意大利、法国、英国和西班牙大师以及所有的19世纪後期、以及欧洲和美国的画家的绘画概念和技法。他重点系统的研究了各个历史时期的各种一次性画法（意大利文：Alla Prima ）, 或直接画法。因此，直接影响了理查德・斯契米德（Richard Schmid）後来的学习和研究工作，以及个人艺术风格的形成与发展。
其实Richard Schmid的手法和“约瑟夫”的水彩是有相似之处的，他这种Schmid风格也成为现在美式风格的一个代名词，你可以发现他是强调固有色的，他的特点就是把固有色都控制在中间灰的明度值当中，所以他们在空间当中就能串连起来，这一点跟水彩是非常像的，依靠轮廓和转折的地方来暗示形体。
先做大的黑白灰，而固有色的边缘大多是松动的，边缘是彼此融合的，只在需要暗示体积的地方做一些强调。鸡的胸脯过度是柔和的，尾巴过度是硬朗的，完全的漫反射就用高光暗示转折，但并非刻意强调，整体还是把固有色联系和虚化在一起。
这张鹿前边，被雪覆盖的树枝，基本上就是在固有色中微妙的变化，冷暖变化，眯起眼看，它的明度变化是很“窄”的，非常明朗非常浅灰的调子，有点像自发光的感觉，这种手法“ZORN”的画中也有相似之处。
ZORN是瑞典画家，殿堂级的大师！
树冠和草丛完全是一个大的渐变，与前边那个鹿的画在处理手法上，有很大的相似之处，这种语境是印象派的语境，树和草地的色彩暖变化，大额渐变一气呵成，边缘基本是虚散的，只依靠最少限度的刻画把轮廓暗示出来，不是“扣”出来的。记住几个关键词“轮廓、转折、闭塞、高光”。轮廓和转折是呼应的，转折是内部的轮廓，而闭塞与高光是呼应的，高光是冲着你来，离你近的那个点，而闭塞是离你远去。做到这几点你画面中的形体就是有纵深的。转折是微弱的，相比较闭塞、高光更重要。如果在原画界你能实现这样一种语境，你作品的格调和范儿起的就比较高了。
Jeremy Lipking1975年出生于美国加利福尼亚州圣莫尼卡，毕业于加州艺术学院，他是美国最好的现实派艺术家之一。她的作品意境独特、画面流畅，对于所画对象的动态、表情都处理的非常好
Jeremy Lipking
他的作品中，固有色的冷暖变化做的不如前边那位好，毕竟还是为年轻的画家，他被评价未来可以和萨金特、佐恩匹敌的画家。他的风格虽然和Richard Schmid不一样，但是思路还是一脉相承的。
就是强调人物固有自发光的。虽然是自发光，但是他没有把自发光变成面片。他在固有色“自发光”的基础上做到了微妙的处理。，不管是冷暖和素描关系。如果没有这些微妙的变化，完全就平掉。所以最真实的和最平面的，差的只是一点点。但是你只有理解了，你才能把这一点点给抓住。就是强调固有色的最微妙的色光，明度，色相的变化，带来最真实的感觉。
再看看当代画家Mark Tennant
看看他是怎样做到虚实的结合，他的重点放在轮廓和转折，虚的地方行云流水，他做的比之前几位更自由一些，Mark Tennant在马里兰艺术学院学习，在纽约艺术学院获得硕士学位，他教书30年。
他的“实”是用块面去替代，基本上整个黑白灰关系的逻辑是一样的，“轮廓、转折、闭塞、高光”这几点在画面中也都体现到了。“虚”线本身已经可以代替线条，如果你在写实绘画中用到“实”线，基本上就很难看，你们看胡塞尔的现象学（phenomenology），其实印象派在做的就是用现象学的眼光在画画。现象学说的是以事物本身的复杂，那种混沌去表现，所以这种画是一种混沌风格，人眼睛自己会用去总结整体感，去挖掘这个到底是什么。有一个词总结这个现象，“好多东西同时存在，我们会得到一个总体印象”——格式塔。
格式塔是作为心理学术语的格式塔具有两种含义：一指事物的一般属性，即形式；一指事物的个别实体，即分离的整体，形式仅为其属性之一。也就是说，“假使有一种经验的现象，它的每一成分都牵连到其他成分；而且每一成分之所以有其特性，即因为它和其他部分具有关系，这种现象便称为格式塔。”总之，格式塔不是孤立不变的现象，而是指通体相关的完整的现象。完整的现象具有它本身完整的特性，它既不能割裂成简单的元素，同时它的特性又不包含于任何元素之内。20世纪30年代后，人们把格式塔方法具体应用到美学中，与心理的各个过程结合，促进了具有格式塔倾向的美学研究。
我们把很多不相干的东西组合成一个想干的东西，如果你给别人余地，在一堆貌似不相干的里面得到一个想干的东西，那就会让人觉得很爽！如果在绘画中还原这种技巧的话，你的画面看起来就会很有灵气。
美式油画比较普遍的样式尺寸都不太大，他们很少画大尺寸，小尺度好处是所有因素都可以纳入画家的考虑，区别与苏派。这时不仅仅是面对一个单独的物体，而是面对一整个舞台，一整场完整的戏剧。对整体的空间，画家有了更好的把握。他可以把暗部连城一个整体去做渐变，因为这种人为的处理，画面会显得极有意味。所以苏派重体积感，美派重空间和整体的意味。这一点上与中国的水墨有些相似之处。多了解中国的写意水墨再了解美式风格，和水彩就简单多了。
中国的写意包罗很广，只是没有一个知识系统。中国的东西就是这样，每个点都很牛逼，串连不起来，单靠个人天才去发挥，这一点很讨厌。悟性高的还好，没有悟性的跟这个体系就无缘了。所以这不是做教育的态度。这一点上西方的体系是面向全民的。而不是一种极少数的精英主义。
前边讲了一些水彩，而水彩主要强调空间和光。那么暂时先把水彩这个词屏蔽一下。而用空间和光来说。因为水彩是一个媒介，它所解开的知识点才是内核，它的内核就是空间和光。但是下边也先把空间和光暂时放一放，去讨论和写实有关的其他的一些规律。空间和光虽然重要，但也只是写实的其中一个方面，它有点像最后的“渲染”，模型阶段我们要解决什么呢 ？就是物体的结构。
我们对苏派的认识，最直接的来源于——列宾。了解更多的朋友可能还会提到像谢洛夫，苏里科夫，克拉姆斯柯依，莫伊谢延科，但我们今天不是讨论某一个具体的画家，我们要考察的是这些扎实的画风，所具备的一些共性！那就是饱满的体积、清晰的结构、沉稳的量感。就这些共性来看，美国黄金时期的插画和他们是很相似的，就对结构意识的掌握程度来看，美国的插画家也是非常强悍的，也有很多位大师级的人物。比如Norman Rockwell诺曼·洛克威尔
Norman Rockwell诺曼·洛克威尔
这个是“禽兽级”的大师！！！每次看他的插画，到最后几乎都是热泪盈眶。太有爱了！每一个细节都是爱！太厉害了！（林冉已经语无伦次）很长一段时间我都搞不明白他是怎么能够画出来那么写实的画面。我也是自己画照片画了很久，才把他的东西明白透彻。他的写实功力，同时代的人跟他完全不在一个层面上，差太多了，他真的是非常写实的一个人。
Dean Cornwell这个画家的作品，插画味道就比较重了，相对于Rockwell一下就降下来，他也还是很厉害，但Rockwell的光芒太强烈了，很多的优秀就显得平庸了。很多时候大师就是不给人活路。
Dean Cornwell作品
阮佳应该也会喜欢这个画家，或者也做过相似的练习的吧，这个看了还是蛮明显的一个。Dean Cornwell对结构的重视，是黄金时期比较统一的共性。这一点上阮佳能有那么大的一个进步，现在可以做的那么扎实，说明他沿袭了一些真正宝贵的传统和习惯，这一点上我们都要向他学习。
对于结构的建立而言，最终的第一步到底是什么，你发现没有，这样的线稿如果你自己能画出来，你心里就很有底了。临摹Dean Cornwell的作品非常管用，他在线稿阶段就已经满足了体积的概括，对于学院派来说这样的概括略显僵硬，但对于插画和游戏设计来说，这样的结构是很必要的，做到这样你基本上已经得到一个模型了。这种线稿阶段的好基础，让他的画再后续绘制中显得更加饱满。
完成稿就是线稿的完善和加强而已，但是他的色彩运用绝对不提倡！这种色彩就是几乎等于没有颜色。但是我们只说他的线稿对于塑造形体的帮助。那真的是没话说，非常漂亮。需要达到这种概括的能力，要的不仅仅是练习。练习只是实践积的方式，那么在“出发”之前，你就要明白正确的方向在哪里。这里概括四个几何体。这个不是我创造的方法，而是那些画家就是按照这个方法做练习的。
“球、柱、方、锥”这四个字一定要牢牢记在心里，千万不要小看这四个字。在塞尚的眼里，他们就是世界的全部。我们认为世界不是这么简单，是因为我们没有达到塞尚的高度。能够简化事物是非常高深的能力。塞尚会认为，假设一个人直挺挺的站在原地转一圈，那就是个圆柱体。如果一个人张开手臂转一圈，那就是个圆锥。塞尚会把负空间和整空间联系在一起观察，在抽离的思维中把它当成一个总的体积去看待。我们要做的是建立这四个几何体的剖面意识。
这几个图我们美术生可能看了无数遍了，看的都要吐了。但是我们把它们跟经典，跟那些大师一起说，告诉你这些大师就是这样一步一步练习出来的。决定物体的体积不是轮廓，而是内部的剖面。
如果你坚持用剖面意识去画画，慢慢的你会发现别人画面中存在的问题。在相同的外轮廓下，有些人画的是立体的，有些人画的就是平的。这就是内结构。你画的物体必须要鼓鼓囊囊的存在于内部空间的。上图中，轮廓就是剪刀剪纸，内空间就是刀切开的苹果，一目了然。
提醒一下，
这里不是在讨论绘画基础，而是讨论写实绘画的底层思维
除了考虑剪影，更好考虑馁剖面。细节真的不重要。把内剖面变成自己的本能。这样你才能画好复杂的形体。形态再复杂，它外围那些点的连线还会形成一个虚的形体。而这个虚的形体又可以归纳为一个简单的形体。
用几何形体意识概括不规则形体。自然界本来就是不规则的，我们必须得用体积意识去理解，否则画什么都是平的。你画不好的原因就是你懒得做这一步，好像说做这一步显得low，不帅。其实做这一步才是非常的高大上！“当代的”绝对是下面的，上面的就变成“插画了”。你看莫兰迪的画更像下边的还是上面的，就是这个意思。
上面的理解好，下一个观点就是建立空间棋盘
有了空间棋盘，你画面中的物体就像下棋一下摆放位置，我们可以把所有物体都想象成左边那个样子。这样一切就简单多了。
之前我写的那篇关于透视的文章，可以帮助你更好的理解这个问题
关于角度的选择，到底怎样的角度可以被确认是好的？道理很简单，就是“信息的清晰与简洁”
在某些角度，物体间会发生重叠。这样信息就变得缓慢了。右边的就比左边要缓慢得多。
之所以说缓慢，意思是说人还是很聪明的，因为被遮挡的地方你还是能分辨到底是什么，但就像我说的，速度会变得缓慢起来。这种缓慢的代价就是视觉冲击力这种东西跟你就没关系了。这种低调到底是不是你需要的，一定要考虑清楚。这里有个工具是可以帮你建立空间模型和角度的，那就是乐高。
最后提一个就是空间对称，刚性联动。这是建立基本功的一个关卡，这里有一个技巧
空间对称，就是指单个物体要有自身的中轴十字线。还有上下对称，这个更高端了，通过这种练习，你对空间才会真正的敏感起来。
刚性联动的概念，三视图的概念，心里把它在空间中转动。想象一个茶杯的柄在空间中随着茶杯转动，就已经形成刚性联动了。
三折体训练，刚性联动的升级版。把三折体在心里随意转动的话，基本上你可以画任何东西了。没有比这个更复杂的了。脑子就需要那么一点点训练就好了。
重复与强调
我们再画东西时候要养成习惯，先画内结构，再画明暗交界线。别上来就画调子。有了内结构，你对体积和明暗交界线会敏感的多。把棋子的内剖面理解透彻，把空间棋盘装在心里面，才能避免物体在空间棋盘上放不稳，避免错误的穿插。
多画一些站在空间棋盘上的练习，贵在坚持，贵在换一种思路。你只要熟悉了空间棋盘网格，再回味以前的一字排开，你就会不堪忍受。然后练习空间对称和刚性联动，想象茶杯的转动。
线稿的话我不建议初学者看大师的速写，可以多看一些日本的动画。如果能买到动画的台本来临摹就最好了。他们的人物虽然是二维的，但却是非常有空间和体积感的。日本人做刚性联动做的非常牛逼。像福音战士那些机械。他他妈不是建模，不是3d，是一个一个画的，整个模型装在脑子里面，旋转和推进拉远，甚至带着镜头的鱼眼透视在里面。真的很恐怖的能力。还有大友克洋的机械。台本的话推荐“人狼”
狼的作者是冲浦启之。冲浦启之的功力是非常恐怖的。人狼的台本没有过多的细节，他所推崇的就是空间棋盘。它每一个画面本身就是直接拍摄成电影画面的。完全够用的。它包含了一切，唯一没有渲染而已。动画人强就强在结构这一块，而不是渲染这一块。
然后再看——（恶童、金敏的千年女优、东京教父、prefect bule、红辣椒、大友克洋的阿基拉、森本晃司动画版里找猫的那段）
不光是写实，他们这些人的造型也很有品味。像剑风传奇这种造型就非常土。“荻原一至”这种就造型就不能看，少女不少女少年不少年的。对于形体本身没有一种自己的判断在里边。完全是商业化的一个走向。我更推荐兼顾商业和艺术性的作品。
像今石洋之的天元突破，庵野秀明，像汤浅政明的mind game那种就是牛逼到天上去了。
prefect bule
prefect bule也是从故事版里面出来，除了质感查了一些，他们在写实程度上已经做到了相当高的程度
再看下千年女优的画面，直线条，概括的感觉，再看高考速写为什么那么烂，就是一看就想把书撕了的感觉，为什么！轮廓直挺挺，内部一些细节，一个字概括就是——整！！！
日本人的品味真的太高了 ，角度取的刁钻，所有气氛一下子就出来了。
建立内结构意识。
有过写生经验的朋友就会发现，显示当中我们假设米开朗基罗画人体有模特（他很有可能是默写），人物的表面还是很光洁的，这种内部起伏表现的那么突出跟强烈，到底是为什么？达芬奇评价米开朗基罗的画是“麻袋里的土豆”，有点调侃的意味。达芬奇是很承认米开朗基罗的，甚至是有些妒忌，达芬奇确实也是千古奇才么，有点既生瑜何生亮的意思。基友之间的冷嘲热讽，其实全是爱么。
米开朗基罗是雕塑家，使得他对结构的意识超乎常人。另一位对结构表达近乎疯狂的画家就是丢勒
我以前很讨厌他的画，一点都不美型，画人物妈的扭扭歪歪的，什么东西嘛画的。但是理解了他到底为什么要这样做的时候，那就迷恋的不行。他几乎是用力透纸背的深度，去刻画物体外部与里头的关联。看得懂就开心了，以前讨厌就是因为看不懂。
还有一个人物不得不提就是门采尔。
你们现在能看懂这只脚了吧？为什么要画的跟打靶归来似的，跟他妈插完秧似的……就是里边的内在结构跟外部有一个很好的吸附。这样你就有东西画了。表面有可能没内容，但是你待着里边的理解再看表现就有东西了。一张画如果没有形状、斑驳、装饰性也确实没东西看。有的时候我们也知道没东西看不好，但是想画的时候又没东西画，这就是我们常遇到的纠结。现在有东西画了，很可能我们的画就会好看起来。没有功劳也有苦劳，你看在我那么多坑坑洼洼的份上，你也得给我鼓个掌点个赞。之前几何结构理解了以后，你下一步就要细化了。
康勃夫
他的画内在骨骼，像帐篷似的绷起来。没有刻画的地方，肉的感觉才史无前例的饱满起来。反而不用画的地方就变成高光了，这种雕塑感就很强了。
总结一下：
几何结构，不管是空间棋盘上放置还是彼此穿插，他们之间的关系还是“外在”与“外在”的关系。而内结构更多涉及的，还是内与外的关系，这样结构这个词所包含的内容才会完整。所以不管是画卡通的还是二次元的，还是写实风格的人体，不管是雕塑还是3d人物模型，真正严谨的艺术家，动画艺术家也好，油画艺术家也罢，一定会把素描先画出来，至少要先考虑到，再套上衣服，再做褶皱或裙摆。这不是他的功力有限，反而是他成熟的标志。所以我看金政基那些速写，我很不要看的，完全没有里外的内结构，他都是平摆上去，内结构他是没有的，他都是一气呵成，他没有把里边的东西考虑进去。他很强，我仅仅是在这个层面上说，他没有做的很好。而再看那些传统的动画大师们，金敏和宫崎骏那些，修型的，人设的，那真的是画的好啊！所以那个态度摆在那边，就不是随便勾几笔然后讨个喝彩那种人可以比拟的。那种是奉献的，他有职业精神在里边。现在很多人物建模是把人物和衣服当成一个整块来做，那相比有裸模的就会僵硬许多。很多三维人物都是裸模做好，衣服是靠解算的。有的雕塑家甚至是把骨骼建好，再上肌肉，再上皮肤，这是因为功力不够吗？这是功力爆棚的表现才是！
接下来讲——灯光、空间、形体的关系
说到灯光，我们先来思考一个问题，就是光线本身有没有自己的形态？
有些人认为光在空间中移动时，是圆锥的。有些人认为光是圆柱体。而其实呢，我们来看一看，它更像一个球体，我们可以通过高速摄影来观察光线在空间中进行时的一个形状。
通过观察可见，中心是最亮的，能量最高的部分，它像是光球的内核。随着距离的增加，随着前进，能力也开始减弱，球体的感觉会越来越明显。只有这样我们才能体会光的衰减。也就是路灯照在地面的那种感觉。这种从中心往四周衰减的模式，最容易产生凝聚力和戏剧感。
我们可以把“一切”理解为球体，因为光就是球体，当这个球体砸到任何一个空间和环境中的时候，这个环境就会产生球体的那种衰减的感觉。让一切现形的那个东西就是个球。
带着这种理解再看一些作品，就很好理解了。眯起眼睛看，把人物和背景分离开观察，人物的收光就像一个球的受光差不多，一定不要把所有朝上的面都画的一样亮，受光部分是有明显衰减的。右侧的画中，手臂也有一部分受光，但绝不能画的跟胸部一样亮，但是往往会有很多朋友会不自觉的提亮手部的受光部分。但是如果有球的概念，就会避免了。
右边陈丹青这个练习就犯了这个错误，下边画的过量，左侧的维纳斯处理的就好了很多。
很多作品，对于细节的过多刻画其实是没有必要的，
查尔斯.雷德
查尔斯.雷德，重要的轮廓和转折都体现出来了 ，很多细节都可以舍弃了。
右侧这张画，球光运用就就非常好，会把人的肩膀提亮的+1。一定要忍住。忍不住你还是学弟，忍住你就是学长了！
如果光源是古典的，那么暗部必定是浓重发黑的，色彩就被大大折损了，光的四散和流淌就别想了。只剩下体积和幽暗的空间，是有美感，是有神秘感，但是代价太大了！
于是印象派的画家就走到了户外，让微弱的直射光，变成充满空气的散射光。但这里问题就来了，整个世界一下子就笼罩在了雾气里边，都说印象派是解放了光，但是他更是解放了空气。所以画面整个的风格全部都改变了。我之所以把这定义为前印象派，是因为接下来还有后印象派。前印象派的代表人物，西斯莱，莫奈。绘画从戏剧化就走回了生活。
如果说古典派强调了物体的形体，印象派强调的就是光和色。那种颤动、不确定、兴奋！古典画派强调戏剧性和神秘性，而印象派强调柔美和欢快。这种风格红红火火的发展了很长时间，知道他的不足逐渐显露出来。那就是人们发现形体消失了。全都是雾里看花，水中望月。莫奈在1890年后，画的一些户外的风景，已经玩儿的非常过分了。几乎全都是光和雾。前印象派过于注重了光而忽视了形体的明确感和稳固感。偶尔这样还好，长此以往就把艺术变得形式化了。
高更
莫奈你不是把形状给忽略了吗？我高更就把他强化出来，来个180度大转弯。强化了色彩强化了形状。又走到了另外一个极端。但是人们也感受到了后印象派的不足。就是过于注重固有色，平面式的拼图感。传统的空间，在后印象派，在高更手里已经基本死亡了。已经达到了我们讨论的最低限度了。我们讨论的是写实，即空间意识，开篇的时候提过。
从写实这一点上，约瑟夫是做出了突出贡献的。还有一位安德鲁怀斯，但他的水彩画是当做坦培拉来画，当成干画笔来画，边缘扣得很实，但是没有这种空间连续的。（此处各种感叹约瑟夫……）
不放弃边缘与转折，同时有串联起固有色，空间和光色就是在这个语境里建立的。水面上近处的冷紫到远处的暖，这一道渐变，卧槽！整个空间棋盘全有了！
josenh zhukvic，澳大利亚水彩画大师“约瑟夫·祖布克维克”
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